Esperando a Godot por S. Beckett

 

Contexto

Después de la Primera Guerra Mundial, los escritores de literatura modernista se centraron en la ciencia, la filosofía, el arte y técnicas narrativas innovadoras para analizar y expresar la experiencia humana.

Las secuelas de la Segunda Guerra Mundial produjeron una nueva revisión ideológica expresada en la cultura posmodernista. Gradualmente se fue imponiendo un reconocimiento de que la razón y la verdad eran ideologías humanas, no verdades como había enseñado la Ilustración. Se desarrolló una era de posverdad (aprovechada para beneficio personal por políticos populistas en el siglo XXI). El movimiento posmodernista determinó que la razón misma era una construcción occidental que competía con otras tradiciones de fe y comprensión cultural.

Conmocionado por las violaciones de derechos humanos durante los conflictos mundiales como el Holocausto y los bombardeos atómicos de Japón, el posmodernismo expresó la desilusión causada por la Segunda Guerra Mundial y se centró en creencias en lugar de hechos científicos. Los escritores comenzaron a considerar imposible la búsqueda de significado y recurrieron al sinsentido.

El teatro del absurdo se desarrolló en este entorno cultural posmodernista. El término se acuñó para describir una nueva ola de obras que surgieron en Europa en los años 40 y 50. Estas obras estaban influenciadas por la filosofía existencialista de los escritores franceses Jean-Paul Sartre y Albert Camus. Los dramaturgos de esta tradición veían el mundo como inherentemente carente de significado, donde los humanos intentaban ilógicamente imponer orden y propósito a su existencia.

La narrativa posmoderna se desarrolló socavando la relación establecida entre texto, autor y lector. El relato acronológico está ilustrado por Kurt Vonnegut en Matadero cinco o La cruzada de los niños (1969), en la que el protagonista se debate entre el presente y el pasado en una guerra sin sentido. El posmodernismo evitó los significados absolutos y enfatizó la fragmentación, como se ejemplifica en el juego narrativo de Cien años de soledad (1967) de Gabriel García Márquez, que sigue a muchos personajes durante un largo tiempo, lo que indica la superficialidad de la vida humana. La metaficción (la artificialidad de la ficción) es el tema de la metanarrativa de Italo Calvino, Si una noche de invierno un viajero (1979), que es una novela sobre un lector que lee la novela Si una noche de invierno un viajero. El teatro de Samuel Beckett escenificó la desintegración del sentido narrativo en su obra En attendant Godot (Esperando a Godot), escrita entre 1948 y 1949. Se estrenó en París en 1953 y se publicó en 1954.

El Teatro del Absurdo ve el mundo como inherentemente carente de significado, con humanos intentando ilógicamente imponer orden y propósito en su existencia. El movimiento ganó impulso gracias a la sombría atmósfera de la posguerra que llevó a una desilusión generalizada con los valores tradicionales. Se caracterizó por mostrar la absurda irracionalidad de la vida; la alienación, donde los personajes se sienten aislados de un mundo que es indiferente a su existencia; la desorientación a través de la falta de linearidad temporal, tramas poco convencionales y personajes extraños, creando una sensación generalizada de incertidumbre; la incomunicación a través de diálogos inconexos y lenguaje sin sentido que a menudo conduce a una ruptura total en la comprensión entre los personajes; el existencialismo que invita al público a cuestionar qué significa ser humano en un mundo que parece estar girando fuera de control.

Entre las obras más destacadas del teatro del absurdo se encuentran Huis Clos (Sin salida) (1944) de Sartre; La cantatrice chauve (La cantante calva) (1950), La leçon (La lección) (1951), Les Chaises (Las sillas) (1952) de Ionesco; En Attendant Godot (Esperando a Godot) (1953) y Fin de partie (Fin de partida) (1957) de Beckett.

Resumen

(Aunque era irlandés, Beckett estableció su residencia en París y escribió en francés. En Esperando a Godot retrató una historia existencial de dos vagabundos que esperan en vano a un supuesto Godot, que nunca aparece.)

La obra se desarrolla en un camino rural, cerca de un árbol sin hojas, donde dos hombres, Vladimir y Estragon, esperan la llegada de un hombre llamado Godot. Para entretenerse mientras esperan la llegada de Godot, los dos hombres hablan de diversos temas, incluyendo cómo pasaron la noche anterior (Vladimir pasó la noche en una zanja, recibiendo palizas de diversas personas), cómo se describe la crucifixión de Jesucristo en los diferentes Evangelios, e incluso si deberían ahorcarse del árbol cercano.

Un hombre llamado Pozzo aparece, llevando a Lucky, su esclavo, con una cuerda alrededor del cuello como si fuera un animal. Pozzo les dice que va camino del mercado donde pretende vender a Lucky. Disfruta de un picnic, y Vladimir le pide a Lucky que les entretenga mientras esperan la llegada de Godot. Después de que Lucky haya bailado para ellos, se le ordena que piense: una instrucción que le lleva a pronunciar un largo discurso que solo termina cuando lo derriban al suelo.

Lucky y Pozzo se van, y llega un Niño con un mensaje anunciando que Godot no vendrá hoy, sino mañana. Vladimir y Estragon deciden irse, pero se quedan donde están.

El segundo acto de la obra comienza al día siguiente. Al árbol le han crecido varias hojas durante la noche, lo que sugiere que ha pasado más tiempo. Vladimir y Estragon descubren el sombrero de Lucky, que lo había olvidado, y los dos hombres juegan a ser Lucky y Pozzo. Luego se insultan para pasar el rato.

Lucky y Pozzo regresan, pero han cambiado de la noche a la mañana: Lucky ya no puede hablar y Pozzo está ciego. Cuando Lucky y Pozzo caen al suelo, Vladimir y Estragon intentan ayudarles a levantarse, pero también caen. Pozzo no recuerda haberles visto el día anterior. Él y Lucky se marchan de nuevo y Vladimir y Estragon se quedan esperando a Godot.

El Niño regresa, pero niega ser el mismo que les visitó ayer. Una vez más, Godot no aparecerá hoy, pero sí mañana, les dice. Los dos hombres, desesperados, deciden ahorcarse usando el cinturón de Estragon, pero lo único que ocurre es que sus pantalones se caen. Deciden irse, pero se quedan donde están, decididos a quedarse un día más y seguir esperando a Godot...

Temas 

Existencialismo

Esperando a Godot hace una representación teatral de la filosofía existencialista al ilustrar la futilidad y el absurdo de la existencia humana. La interminable espera de los dos personajes principales refleja la creencia existencial de que la vida carece de sentido y propósito inherentes. La obra invita al público a reconocer la incertidumbre y la naturaleza repetitiva de la existencia, subrayando los temas existenciales de la desesperación y el absurdo.

La frase «nada que hacer» es recurrente en la obra y expresa la desesperación existencial y la futilidad de la acción. Resume la creencia existencial en que los esfuerzos humanos carecen de sentido en un mundo indiferente. Estragon la pronuncia por primera vez mientras forcejea con su bota, resaltando lo absurdo de las tareas cotidianas. Vladimir se hace eco de estos sentimientos al contemplar pensamientos más abstractos sobre la vida y la esperanza, reforzando el tema de la desesperanza y la insensatez del universo. 

"Vladimir: (Avanzando con pasos cortos y firmes, con las piernas bien abiertas). Estoy empezando a aceptar esa opinión. Toda mi vida he intentado apartarla de mí, diciéndome: «Vladimir, sé razonable, aún no lo has intentado todo». Y reanudé la lucha. (Medita sobre la lucha)."

La relación entre Vladimir y Estragon refleja la condición humana y la búsqueda de sentido. Sus conversaciones, llenas de esperanza, desesperación y dependencia, centran la atención en la incertidumbre y la naturaleza repetitiva de la vida. El acto de esperar en sí mismo es significativo, pues simboliza la idea existencialista de que la vida es un ciclo de anticipación sin solución. La estructura cíclica de la obra, donde cada día refleja el anterior, refuerza la idea existencialista de que la vida es una serie de acciones repetitivas y sin sentido.

La representación que Beckett hace del existencialismo es a la vez nihilista y cómica. La obra sugiere que la vida es una broma pesada, y su absurdo proporciona una fuente de humor. La relación entre Lucky y Pozzo, junto con las travesuras de los vagabundos, añade un matiz humorístico a la desesperación existencial. El humor reside en lo absurdo de su situación, mientras continúan esperando a alguien que quizás nunca llegue, lo que refleja la creencia existencialista de que la vida carece de sentido.

Absurdo

La obra explora la cuestión existencialista de la insignificancia inherente de la vida. Su estructura, a través de la falta de una trama tradicional y un desarrollo de personajes, presenta la futilidad de la existencia humana. La interminable espera de Estragon y Vladimir por el esquivo Godot demuestra lo absurdo de su situación, reflejando la filosofía de que la vida carece de propósito inherente.

La obra presenta un mundo donde las expectativas tradicionales de trama y diálogo coherente están ausentes. Esto se evidencia en el monólogo de Lucky en el Acto I, donde divaga incoherentemente:

"Reanudo, ay, ay, en adelante, en breve, en fin, en la morada de las piedras, ¿quién puede dudarlo? Reanudo, pero no tan rápido. Reanudo el cráneo para encogerme".

Este discurso apoya la naturaleza absurda de la obra, sumergiendo al público en un mundo donde el significado es esquivo y la comunicación está fragmentada.

El absurdo también aborda temas de salvación y la condición humana. La creencia de Estragon y Vladimir en que Godot traerá la salvación refleja su búsqueda de sentido en un mundo caótico. Sus vidas están estancadas, incapaces de avanzar sin Godot:

"Gogo: Vamos.

Didi: No podemos.

Gogo: ¿Por qué no?

Didi: Estamos esperando a Godot."

Este diálogo presenta su dependencia de una fuerza externa para el cambio, algo que parece una falsa promesa. La obra sugiere que los humanos, como Estragon y Vladimir, están atrapados en una existencia sin sentido, a la espera de una salvación que quizá nunca llegue.

El tema de la espera en la obra simboliza el estancamiento de la vida cuando las personas no buscan el cambio por sí mismas. La interminable espera de los personajes por Godot representa la parálisis que se produce cuando las personas dependen de fuerzas externas para su salvación, como la religión. Este mensaje invita al público a reflexionar sobre sus propias vidas y la necesidad de actuar personalmente para lograr el cambio, en lugar de esperar a que suceda por sí mismo.

Posmodernidad

Beckett fue un escritor modernista, pero Esperando a Godot es una obra posmoderna:

La ironía es un recurso posmoderno en la obra. La mayor ironía es que Vladimir y Estragon esperan a Godot, sin siquiera saber quién o qué es Godot. Simplemente siguen esperando, sin intentar descubrir el propósito de su espera.

En el primer episodio de Lucky-Pozzo, Pozzo es el amo y Lucky es el sirviente. En el segundo acto, Pozzo se ha quedado ciego y Lucky es su sirviente mudo. Ahora, Pozzo depende de Lucky, pero, irónicamente, Lucky no se da cuenta de su poder ni de su posición y sigue siendo un sirviente. Está tan acostumbrado a servir que no puede independizarse.

Hay cierta ironía en el humor negro de la obra. El recuerdo de Estragon parece gracioso, pero encierra una profunda filosofía. Cuando unos desconocidos le golpean todas las noches, parece superficialmente gracioso, pero sus connotaciones pueden referirse a los golpes desconocidos de la vida en general.

Otro ejemplo de la ironía en la vida de los personajes llega al final de ambos actos. Hablan de irse, pero nadie se mueve:

(Fin del primer acto)

ESTRAGON: Bueno, ¿nos vamos? 

VLADIMIR: Sí, vamos.

(No se mueven)."

(Fin del segundo acto)

VLADIMIR: ¿Y bien? ¿Nos vamos?

ESTRAGON: Sí, vamos.

(No se mueven)".

El diálogo parece burlesco, pero plantea preguntas básicas sobre el estancamiento monótono de la vida y el giro irónico de que no hay escapatoria.

La fragmentación es un recurso modernista y posmodernista utilizado para reflejar la naturaleza fracturada de la experiencia humana en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial.

En Esperando a Godot el diálogo se presenta en breves ráfagas de frases, evitando un lenguaje embellecido:

"Vladimir: ¿Cómo decirlo? Aliviado y a la vez… (Busca la palabra)… consternado… (Con énfasis) ¡CONSTERNADO!"

Lucky, en el primer acto, empieza a hablar con fuerza. Pozzo también habla con furia, sin ninguna forma ni estilo en particular. Parecen decir lo que les viene a la mente, perdidos en un monólogo interior.

Los personajes también están involucrados en una relación fragmentada, entrecortada por pausas:

"Vladimir: ¿Quieres que me vaya? (Pausa) ¡Gogo! (Pausa. Vladimir lo observa atentamente) ¿Te golpearon? (Pausa) ¡Gogo! (Estragon permanece en silencio, cabizbajo). ¿Dónde pasaste la noche?

Estragon: ¡No me toques! ¡No me preguntes! ¡No me hables! ¡Quédate conmigo!"

Vladimir: ¿Alguna vez te dejé?

Estragon: Me dejaste ir."

Las pausas recurrentes en el diálogo son un componente importante de esta fragmentación. Un personaje, mientras habla, hace una pausa inesperada, lo que da lugar a una comunicación fragmentada.

La ambientación de la obra también es fragmentaria. Solo hay un camino rural y un árbol estéril. La escenografía está compuesta por fragmentos de la naturaleza que representan la frustración, la desesperanza y la futilidad de la situación.

La intertextualidad también es un tema destacado en la literatura posmodernista. En Esperando a Godot, el contexto bíblico aparece, (como es de esperar en un autor irlandés):

"Vladimir : ¿Alguna vez leíste la Biblia?

Vladimir: ¿Te acuerdas de los Evangelios?

Vladimir: ...uno de los ladrones se salvó...

Vladimir: Nuestro salvador. Dos ladrones. Uno supuestamente salvado y el otro... (busca lo contrario de salvado)... condenado.

Vladimir: Te digo que su nombre es Pozzo.

 Estragon: Ya lo veremos. (Reflexiona.) ¡Abel! ¡Abel!

Vladimir: Este motivo me está empezando a cansar.

 Estragon: Quizás el otro se llame Caín. ¡Caín! ¡Caín!"

Shakespeare es otra fuente de influencia en la obra. Godot parece inspirarse en la escena del cementerio de Hamlet para crear imágenes macabras de la brevedad de la vida:

"Dan a luz a horcajadas sobre una tumba, la luz brilla un instante, luego vuelve a ser de noche."

En otra escena de Hamlet, la calavera de Yorick le lleva a una crisis existencial. El viejo cráneo en descomposición le recuerda su propia existencia. Piensa en Alejandro Magno y Julio César tras ver la calavera. Habían logrado mucho, pero aun así terminaron siendo polvo. Hamlet reflexiona sobre la existencia en este mundo como el polvo, símbolo de la futilidad de la vida.

Existen varias conexiones con La Tempestad de Shakespeare, y en concreto con su «esclavo salvador y deforme», Calibán. La figura de Calibán es significativa como figura lírica, cuyo gran discurso sobre el dormir, la vigilia y los sueños inspira el monólogo de Lucky en la obra:

"No tengas miedo. Esta isla está llena de ruidos y música dulce que alegran y no dañan a nadie. A veces oigo mil instrumentos vibrantes zumbando en mis oídos, y a veces oigo voces tan relajantes que me devuelven el sueño incluso si acabo de despertar. Y entonces, en mis sueños, me pareció que las nubes se abrían para revelar un tesoro listo para caer del cielo sobre mí, así que al despertar, lloré porque quería volver a soñar."

Irónicamente, dado su nombre, Lucky es esclavizado por Pozzo y, al ser obligado a hablar, ofrece una parodia de discurso teológico en un monólogo interior que, en última instancia, carece de sentido, y es similar al monólogo interior de Molly Bloom en la última página de Ulises. Lucky sostiene que Dios parece estar perdido en un laberinto de irrelevancia, absurdo e incoherencia, al igual que el propio discurso.

Metaficción

El posmodernismo empleó la metaficción para involucrar a los lectores en un diálogo sobre el acto mismo de escribir y leer. Impulsa al lector a cuestionar las estructuras fundamentales de la ficción narrativa y a explorar la posible ficcionalidad del mundo más allá del texto literario de ficción.

La metaficción tiene una larga tradición. La introversión de la novela del siglo XVIII Tristram Shandy de Laurence Sterne difiere de la metaficción del siglo XX, que presta atención a la autonomía de la propia estructura ficticia. Sin embargo, esto es precisamente lo que ocurrió en Don Quijote (siglo XVII), donde, en una ficción sobre la ficción, el autor parodió no solo el delirio del protagonista, sino también la ilusión creada por la propia narrativa.

Esperando a Godot participa en la metaficción al derribar el cuarto muro teatral, el que separa al público de la obra. Reconoce su propia teatralidad, reflexionando sobre la naturaleza de la representación y los límites entre la realidad y la ilusión. Esto se logra mediante la estructura repetitiva de la obra: el segundo acto es un reflejo del primero. En el episodio entre Lucky y Pozzo, Pozzo es un amo cruel y Lucky es su desafortunado esclavo. En el segundo acto, la relación se refleja con un Pozzo ciego liderado por un Lucky mudo. Ahora Pozzo depende de Lucky. Toda la estructura cíclica de la obra, donde cada día es un reflejo del anterior, cuestiona la propia trama fluctuante que, al igual que los personajes, no conduce a ninguna parte.

Los personajes son muy conscientes de sí mismos y reflexionan abiertamente sobre su difícil situación:

"Estragon : Siempre encontramos algo, ¿eh Didi?, que nos da la impresión de que existimos.

Vladimir: Sí, sí, somos magos."

Ambos personajes han perdido la capacidad de acción y expresan esta sensación de inacción. Quieren actuar, pero no pueden. Sin embargo, su autoconciencia es implacable. Para el público, la magia también reside en la inventiva de los personajes, da forma a la trama, pero como esta no conduce a ninguna parte, la trama misma se cuestiona. Se trata de una narrativa cíclica sin fin. El marco lineal tradicional se deconstruye ante los ojos del espectador.

El modernismo se basó en la creencia de que podemos conocer el mundo y usar nuestro conocimiento para criticar y analizar cómo son las cosas y que, como resultado, crear un mundo mejor. Para el modernismo, el conocimiento ofrece poder, y cuando este se guía por la razón, puede darnos la posibilidad de crear un mundo más humano.

El posmodernismo adoptó una nueva visión que describía muchos elementos del mundo no solo como apariencias engañosas, sino como simulaciones. Afirma que nuestra creencia de que podemos conocer la realidad es una ilusión. Otra afirmación es que el yo, la sociedad y la realidad son ficciones.

En Esperando a Godot, a las posmodernas Didi y Gogo les resulta difícil comprender algo en un mundo caótico e ilógico. Esto les dificulta distinguir entre lo real y lo ilusorio. Al principio de la obra, no recuerdan qué hicieron ayer. Estragon cree que estuvieron en el mismo lugar ayer, pero no lo reconoce. Tampoco están seguras de por qué esperan a Godot, pero aun así continúan esperando.

El público se encuentra en un dilema similar, ya que en la obra no hay personajes conocidos, ni una trama lineal, ni situaciones comunes con las que puede identificarse. El lenguaje, los escenarios y los personajes se presentan de forma ilógica, absurda o desesperanzada. Dado que los personajes y los acontecimientos son tan absurdos, la obra parece un sueño o incluso una pesadilla. Tanto los personajes como el público experimentan lo que es vivir una existencia absurda, sin saber qué es real y qué es ilusorio.

Al final de la obra, Didi y Gogo planean suicidarse «a menos que Godot venga». También deciden irse, pero no se mueven. Esta es una obra en la que nada sucede... dos veces. Los personajes no pueden escapar de su existencia, la cual, al estar desprovista de estructura lineal y roles tradicionales, resulta tan extraña que es difícil distinguir si es real o un sueño.

El mundo de Vladimir y Estragon parece surrealista y onírico, pero podría ser más real que el de los espectadores, ya que no está estructurado por una trama, roles familiares ni una progresión lineal. Sin embargo, ¿tiene la vida real una trama? ¿Son estas estructuras, como la trama y la identidad, reales o ilusiones? ¿Es la obra más real que nuestra «realidad»?