Las pinturas de la Capilla Sixtina de Miguel Ángel

Contexto

Después de la caída del imperio romano occidental en el siglo V, la ciudad de Roma también experimentó una decadencia. Los ciudadanos romanos sintieron poco apego por su historia, por lo que la ciudad se desintegró debido al saqueo. El cisma de la Iglesia en el siglo XIV hizo que los Papas se mudaran a Avignon, lo que fue el golpe final a la riqueza y el poder de Roma.

No obstante, el papado regresó a Roma en 1420 y durante los siguientes siglos los Papas abrieron el camino de la reconstrucción de la ciudad y conquistaron los Estados Pontificios, manejados desde Roma. A través de la venta de oficios de la iglesia y los ingresos de los impuestos en los Estados Pontificios, los Papas obtuvieron poder económico y control de la ciudad durante el Renacimiento. La rica familia de banqueros florentinos, los Medici, financiaron el papado a cambio de la oportunidad de administrar el banco del Vaticano. La familia también nombró a 4 Papas de entre sus miembros: el Papa León X, su primo hermano, el Papa Clemente VII, el Papa Pío IV, nacido Giovanni Angelo Medici y el Papa León XI nacido Alessandro Ottaviano dei Medici.

La erudición regresó a Roma a través de la biblioteca del Vaticano que fue creada por el bibliófilo Papa Nicolás V en 1451 y también financiada por los Medici. Cuando cayó Constantinopla en 1453, pudo aumentar la colección con muchos volúmenes griegos. Este fue el comienzo de la transformación de Roma en una ciudad renacentista que se fortaleció con su pasado glorioso. 

Mientras la ciudad ascendía al esplendor que había tenido en la época romana, el Papado, con la elección de Sixto IV en 1471, cayó en la degradación moral. Sixto practicó una política de llenar los puestos del Vaticano con miembros de la familia, algunos de sus propios hijos ilegítimos a los que se conocían como nipoti (sus 'sobrinos'), palabra que dio 'nepotismo'. Sixto también estuvo involucrado en el intento de asesinato en 1478 de Lorenzo di Medici cuando ambas familias se enfrentaron por el poder en el Vaticano. Este modelo de gobierno mafioso se convirtió en una tradición para los futuros Papas a lo largo del Renacimiento. Condujo a una autoridad moral empobrecida y a la vez un creciente poder político y económico.

Sixto IV rediseñó y reconstruyó Roma ensanchando calles, erradicando ruinas y construyendo la capilla Sixtina (1473 a 1481) que lleva su nombre. Iba a ser la capilla oficial del Papa gobernante. Su fama deriva de los frescos que decoran sus paredes laterales, techo y pared del altar. Durante su reinado, Sixto hizo que un grupo de famosos pintores del Renacimiento, incluidos Botticelli, Perugino, Pinturicchio, Ghirlandaio y Rosselli, decoraran las paredes laterales con la Vida de Moisés y Cristo y algunos retratos papales. 

En 1503 fue elegido Papa, Julio II, sobrino de Sixto IV. Eligió su nombre en emulación de Julio César. Vio su tarea principal como la restauración de los Estados Pontificios, arruinados por los papas Borgia. Para lograrlo combatió contra otros estados italianos y la corona francesa. Maquiavelo le describió como un príncipe ideal.

Sin embargo, hizo poco para limpiar la corrupción en el papado. Como cardenal tuvo al menos una hija ilegítima, Felice. Nombró cardenales a cuatro miembros de su familia. También fue elegido Papa comprando el cargo en un acto de simonía. (Uno de sus primeros actos cuando fue elegido Papa fue convertir la simonía en las elecciones papales en un delito).

Sin embargo, el Papa Julio II también fue el patrón de obras maestras artísticas. Los artistas del Renacimiento acudieron en masa a Roma para obtener el patrocinio papal para su arte y entre ellos se encontraban Miguel Ángel, Bramante y Rafael. Julio encargó a Bramante el diseño del primer modelo de la nueva basílica de San Pedro, a Rafael con los célebres frescos murales en sus nuevos apartamentos y a Miguel Ángel con su lápida y la redecoración del techo de la Capilla Sixtina.

Entre 1508 y 1512 Miguel Ángel pintó el techo con frescos bíblicos. La Capilla Sixtina representa un período fundamental en la historia del arte: el Alto Renacimiento. Bajo el liderazgo de Miguel Ángel, el estilo de pintura cambió radicalmente, desde los densos detalles de Masaccio hasta los diseños más abstractos de Leonardo da Vinci.

El techo

El techo estaba originalmente decorado con un cielo estrellado azul similar a la capilla Scrovegni en Padua. El plan era pintar a los doce apóstoles en el techo dónde tradicionalmente se representaban solo figuras, no escenas dramáticas. Este proyecto todavía se puede ver en los 12 profetas masculinos y cinco femeninos colocados alrededor de los bordes del techo. Sin embargo, Miguel Ángel decidió llenar el lomo central con nueve escenas del Génesis (ver imagen): 3 escenas muestran la Creación, 3 historias representan a Adán y Eva y hay 3 historias de Noé. Debajo de las escenas de los profetas hay pequeñas figuras de las 40 generaciones de los antepasados ​​de Cristo, comenzando con Abraham. Miguel Ángel completó el proyecto en menos de 4 años, con una interrupción entre 1510 y 1511, cuando no le pagaron.

El artista pintó las historias del techo central en orden inverso al relato bíblico, comenzando con Noé sobre la puerta de entrada y avanzando hacia el altar a través del mito de Adán y Eva y finalmente a la historia de la Creación. Este movimiento a lo largo del techo es paralelo a la creciente complejidad de la obra. Las primeras figuras de Noé utilizan dispositivos de obras anteriores como La Pietà en una muestra de técnicas conservadoras. Son estáticas y las escenas tiene una escala pequeña. Cada vez más seguro de sí mismo, Miguel Ángel eliminó las guías preparatorias: los dibujos y marcas de referencia en el yeso. Las figuras posteriores también muestran un movimiento más dinámico y una expresión compleja. En la escena de la creación de Eva, Dios y Adán están comprimidos en un pequeño espacio, a pesar de su grandeza.

El período del Alto Renacimiento, cuando Miguel Ángel vivió y trabajó, se basó en el conocimiento de la Antigüedad Clásica, principalmente de los antiguos griegos. Los pensadores buscaron inspiración en Sócrates, Aristóteles y Platón. Cosimo I de Medici resucitó la filosofía platónica en forma de neoplatonismo al instituir la Academia platónica florentina de la que Miguel Ángel fue alumno y que tradujo los escritos de Platón al latín. El filósofo del siglo III, Plotino, había sentado las bases del neoplatonismo al promover la idea de que todas las almas buscan regresar al Uno. Miguel Ángel también creía que la función del artista era sacar formas preexistentes del material:

“El más grande artista no tiene una concepción que un solo bloque de mármol no contenga potencialmente dentro de su masa, pero solo una mano que obedece a la mente puede lograrlo.”

Ian Suk y Rafael Tamargo, de la Escuela de Medicina Johns Hopkins, sugirieron en 2010 que Miguel Ángel había ocultado tres imágenes anatómicas en el cuello de Dios en la escena del Génesis "Separando la luz de la oscuridad". El artista tuvo un interés desde joven y una experiencia práctica en los estudios anatómicos. La sugerencia es que representó este conocimiento en secreto en su obra de arte, motivado por sus creencias neoplatónicas. En una lectura compleja de la misma escena, los autores también sugieren que el artista incluso ha ocultado alusiones a la Alegoría de la caverna de Platón.

El juicio final

Entre la finalización de la pintura del techo en 1512 y el encargo de pintar la pared del altar con la escena del Juicio Final (1536 a 1541) Roma sufrió la invasión de las tropas amotinadas de Carlos V, enemigos del Papado. Capturaron la ciudad en 1527 durante un motín llamado saco de Roma. Fue provocado por la revuelta de soldados alemanes, españoles e italianos por el impago de salarios y en búsqueda de alimentos. Al año siguiente, la falta de alimentos y el brote de la peste hicieron que los invasores abandonaran la ciudad, que quedó en bancarrota. Este evento marcó el final del período del Renacimiento en Italia.

1517 vio el comienzo de la Reforma protestante cuando Martín Lutero publicó sus 95 tesis exigiendo la reforma de la Iglesia.

Ante este panorama, la Iglesia, la ciudad y el papado buscaron restablecerse. El Papa Clemente VII encargó el trabajo a Miguel Ángel 25 años después de completar el techo. El artista ya tenía más de 60 años. El mensaje del Papa, transmitido a través de El Juicio Final, fue que la Iglesia y Roma estaban recuperando su posición. 

Pinturas como El Juicio Final generalmente decoraban la pared trasera para que aquellos que salían de la iglesia recordaran el mensaje final, en todos los sentidos. Sin embargo, la pintura de Miguel Ángel está en la pared del altar que mira a los asistentes durante todo el servicio. Parece ser un recordatorio de la justicia que espera a los autores del saqueo de la ciudad, así como a los que se disputan el poder de la Iglesia.

El tema principal de la obra de arte es el del poder del Cielo sobre el Infierno, el bien sobre el mal. Se compone de grupos y cuadrantes. Los resucitados se representan ascendiendo desde sus tumbas en la esquina inferior izquierda hacia el cielo. Los ángeles levantan a una pareja con un rosario mientras otros suben sin ayuda. Una de las figuras está atrapada entre un ángel que tira hacia arriba y un demonio que la arrastra hacia el infierno. A la derecha de la pintura, las figuras descienden hacia el infierno y los ángeles alejan a los que están cerca del Cielo. 

Alrededor de la figura de Cristo se sitúan santos, mártires y ángeles: los elegidos. A la derecha se representan apóstoles como San Pedro, sosteniendo las llaves del cielo y entregándoselas a Cristo. A la izquierda está Juan el Bautista reconocible en su piel de camello. San Andrés sostiene su cruz junto a Cristo, San Lorenzo su reja y San Bartolomé un cuchillo y una piel desollada. (Tiene la cara de Miguel Ángel.) San Blas sostiene los peines de lana, Santa Catalina una rueda y San Sebastián las flechas.

Miguel Ángel incluyó referencias pictóricas al Infierno de Dante de La Divina Comedia. En la esquina inferior derecha están el alma condenada y sus pecados: la codicia tiene una bolsa dorada de dinero y llaves alrededor de su cuello; la lujuria es arrastrada por el escroto; el orgullo está luchando contra todo el proceso. Algunas de las figuras son reconocibles: Caronte, el barquero que lleva las almas al inframundo, sostiene su remo hacia sus pasajeros y les indica el camino al infierno. Minos, un juez, se encuentra con los condenados con sus orejas de burro y una serpiente que muerde sus genitales. En el poema de Dante había nueve círculos que componían el Infierno y Minos envolvía su cola, que parecía una serpiente, alrededor de su cuerpo en el número que correspondía al círculo del Infierno. 

El historiador de arte del Renacimiento del siglo XVI, Vasari, escribió que Da Cesena, el maestro de ceremonias papal, se quejó de los desnudos de la pintura diciendo que la obra pertenecía a un burdel. La respuesta de Miguel Ángel fue pintar a Da Cesena como Minos con la serpiente enroscada a su alrededor. Da Cesena se quejó de nuevo, pero el Papa se negó a cambiar el retrato diciendo que su autoridad no se extendía al Infierno.

Hubo otras críticas contemporáneas sobre la mezcla de referencias clásicas y figuras religiosas. La figura central de Cristo está delineada por una luz amarilla dorada detrás de él. Recordó a los espectadores el dios sol mitológico griego Apolo, que pensaron que era inapropiado. Cristo fue representado sin barba y no sentado en un trono, sino de pie. Esta fue una representación innovadora y no se ajustaba a la tradición bíblica estándar.

En 1563, el Concilio de Trento decretó nuevas reglas sobre el arte en la Iglesia, incluida la desnudez. Siguiendo esta postura conservadora de la Contrarreforma, se evitaron las supersticiones y las indecencias y se taparon las imágenes de la Capilla Apostólica. De conformidad con este decreto, los genitales fueron pintados en el fresco por da Volterra, apodado il Braghettone (el fabricante de bragas).

Otros críticos de arte han señalado que Miguel Ángel eligió retratar sus figuras desnudas por requisitos artísticos, no por significado religioso, para impresionar al espectador. La musculatura, que se extiende también a las figuras femeninas, fue característica del estilo de Miguel Ángel y sus representaciones físicas son reconocidas por su precisión anatómica.