Impresión, soleil levant de Monet

Contexto

La guerra franco-prusiana (1870-1) y la posterior guerra civil de la Comuna de París destruyeron la infraestructura alrededor de la ciudad. Muchos de estos lugares fueron elegidos luego como tema por los pintores impresionistas franceses. Focalizaron sobre el nuevo París que surgió con la burguesía en las décadas de 1860 y 1870 y que alentó la renovación urbana impulsada por Haussmann en amplios bulevares y parques.

Durante la guerra, Argenteuil, en las afueras de París, había sufrido daños en los puentes ferroviarios y peatonales sobre el Sena. Monet pintó estos puentes reconstruidos como un gesto patriótico y los impresionistas reprodujeron escenas de la zona en más de 50 pinturas:

Monet también pintó Impresión, amanecer (1872), una representación del ajetreado puerto de Le Havre. Era igualmente un homenaje al resurgimiento económico francés después del conflicto civil y la guerra contra Prusia con sus exigentes retribuciones. 

La Place de la Concorde (1875), de Degas , por otra parte, hace visibles los recuerdos y la política de la guerra. El artista utiliza un sombrero de copa en la pintura para ocultar la escultura de Ciudad de Estrasburgo que recordaba que los franceses habían perdido Alsacia-Lorena a los Prusianos. 

La Revolución Industrial contemporánea tuvo efectos nocivos, pero estos no son tan visibles en la mayoría de los lienzos impresionistas. Las fábricas tornaron el cielo azul grisáceo y llenaron los ríos de aguas residuales.

La imagen utópica y patriótica de Monet del puente ferroviario reconstruido en Argenteuil fue una percepción personal, ya que, de hecho, las aguas residuales transportadas por el Sena desde París habían acumulado lodo en la orilla del río. Era tan nauseabundo que en 1873 el alcalde de la localidad lo citó como problema de salud y pidió ayuda para limpiarlo.

Degas es famoso por sus pinturas de bailarinas de ballet, de aspecto inocente, pero conocidas por ser trabajadoras sexuales. En otra representación Mujeres planchando (1875, revisada en la década de 1880), una lavandera plancha una sábana blanca mientras un compañero sostiene una botella de vino y bosteza. Las lavanderas trabajaban en condiciones de hacinamiento y calor y su entorno insalubre era un reflejo de su mala salud moral:

El esmog industrial producido por el sistema fabril también puede haber influido en la evolución de las pinturas impresionistas. Se desarrollaron siguiendo una disminución del contraste entre colores, una tendencia hacia los tonos pastel y una menor definición de las formas. Estas son características de un día brumoso o una alta concentración de dióxido de azufre, el principal aerosol atmosférico emitido por las chimeneas de las fábricas.

La famosa pintura Impresión, amanecer fue parte de la primera exposición impresionista (1874) en París, que incluyó nombres destacados como Edgar Degas, Alfred Sisley, Camille Pissarro, Piere-Auguste Renoir y otros. Formaban parte de una colectividad llamada Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs (Asociación Cooperativa Anónima de Pintores, Escultores y Grabadores). Habían creado el grupo para apoyar a los artistas independientes que querían liberarse de las rígidas reglas de la pintura del Salón, la exposición de arte oficial de la Academia de Bellas Artes de París.

La pintura Impresión, Amanecer de Monet fue duramente criticada por el escritor y crítico de arte Louis Leroy, quien escribió:

“Impresión: estaba seguro de ello. Me decía a mí mismo que, puesto que estaba impresionado, tenía que haber alguna impresión en ello… ¡y qué libertad, qué facilidad de ejecución! El papel tapiz en su estado embrionario está más acabado que ese paisaje marino”.

Irónicamente, esta crítica es lo que dio nombre al movimiento impresionista.

Comentario

Impresión, amanecer (1872) representa una amanecer en el puerto de Le Havre vista desde la habitación de hotel de Monet. Hay tres botes de remos, uno más oscuro y más cercano, otro más gris, lo que sugiere que está más lejos en la niebla y el tercero casi oscuro, confundido con la neblina o esmog distante.

Al espectador se le presenta una vasta extensión de agua y al fondo aparecen las siluetas de clíperes, barcos de vapor y barcos de carga. Un humo espeso se eleva desde la izquierda y se mueve hacia el lado derecho de la composición.

La mirada se dirige por un río en el centro hasta una bola de sol rojiza que cuelga descentrada en el fondo y vuelve siguiendo su reflejo en el agua.

El color y la luz del cuadro se combinan para transmitir las primeras horas de la mañana. Los tonos grises azulados contrastan marcadamente con el sol naciente anaranjado. Los colores son una selección de colores similares de una paleta pequeña.

Las pinceladas no son las tradicionales de trazos claros. Los trazos son claramente visibles y pueden parecer rudimentarios. Sin embargo, pintar al aire libre requería que el artista trabajara rápido y de una sola vez, especialmente en su esfuerzo por capturar cambios fugaces de luz. La tarea consistía en capturar una impresión instantánea del puerto a la luz del amanecer.

Temas

En plein air (al aire libre)

Antes de mediados del siglo XIX la mayoría de los pintores compraban sus colores a vendedores que los despachaban en recipientes hechos con vejigas de cerdo. Esto era portátil, pero era un desperdicio, ya que el artista tenía que usar toda la pintura una vez perforada la vejiga. La escuela de paisajistas de Barbizon, con la que Monet trabajó brevemente, utilizaba una jeringa de vidrio para transportar sus colores, pero sólo podían transportar unos pocos colores a la vez, lo que implicaba varias sesiones, centrándose cada vez en una parte de la pintura.

En septiembre de 1841, el artista estadounidense John Rand, inspirado por la jeringa, patentó un tubo de pintura plegable hecho de estaño. Esto mantenía las pinturas al óleo frescas por más tiempo, ya que una vez que se exprimiera un poco de color, se podía sellar el tubo. Esto permitió a los pintores llevar toda su paleta al aire libre para pintar.

Los tubos de pintura también permitieron al pintor componer una escena determinada de una sola vez y crear paisajes rápidamente. Este ritmo probablemente condujo al estilo impresionista por excelencia: pinceladas cortas y rápidas y una tendencia a la abstracción. 

La pintura de los tubos de estaño solía ser espesa y por eso se necesitaba pinceles más resistentes. Esto dio lugar a que pintores como Van Gogh aplicaran sus colores sobre el lienzo en una pasta espesa.

Tiempo

La Revolución Industrial del siglo XIX introdujo velocidad, eficiencia y precisión en la percepción social de la duración, lo que se ha llamado la industrialización del tiempo. El aforismo de Franklin "Recuerda que el tiempo es dinero.", data de 1743 y es un resumen de la influencia de la producción fabril en la percepción contemporánea del tiempo.

Hacia finales de siglo, la filosofía francesa reaccionó contra el punto de vista mecanicista del tiempo de la era industrial. En Ensayo sobre los datos inmediatos de la conciencia (1889), Bergson distinguía entre el tiempo vivido (durée réelle) y el tiempo mecanicista de la ciencia que, según él, superpone nociones espaciales al tiempo y lo distorsiona de tal modo que es percibido como una serie de construcciones espaciales. Bergson afirma que esto es una ilusión, como los 24 fotogramas por segundo de una película. Para él el tiempo evoluciona como una danza, un movimiento de flujo.

Para Bergson, la duración es el flujo unificado del tiempo, en contraposición a la interpretación mecanicista del tiempo mecánico que prevalece en su entorno industrial contemporánea. La duración es la fuerza vital de la vida (élan vital), que sólo puede captarse a través de la intuición y la experiencia del flujo, no mediante la razón.

En el impresionismo, el instante fue la medida crucial para los artistas que intentaban capturar la luz fugaz. En 1890 Monet escribió al crítico de arte Gustave Geoffrey:

"Me estoy volviendo tan lento en mi trabajo que me desespera, pero cuanto más avanzo, más veo que hay mucho trabajo por hacer para lograr lo que estoy buscando: 'instantáneamente', el 'envoltura' sobre todo, la misma luz se extiende sobre todo”.

Los impresionistas mostraron una clara conciencia de las presiones del tiempo. Pintaban con pinceladas rápidas los cambios de tiempo, las estaciones y la hora del día. También ilustraron las nuevas prácticas del tiempo libre, como en La Grenouillère (1869) de Monet, donde pintó con Renoir.

Son las series de pinturas de Monet las que más obviamente capturan el tiempo en la forma estética de luz cambiante. Las series de pinturas que presentan La Gare Saint-Lazare, Los pajares, Los álamos, Los nenúfares y La catedral de Rouen son ejemplos de cómo el artista capturó el fugaz paso del tiempo reflejado en patrones de luz cambiantes. Son sus impresiones instantáneas del paso del tiempo:

Serie de La catedral de Rouen:

Fotografía

El primer daguerrotipo apareció en la década de los 30 del siglo XVIII y más tarde se inventaron las técnicas para realizar impresiones fotográficas sobre papel. Desde entonces se estableció una estrecha relación entre la fotografía y la pintura.

La fotografía se desarrolló a partir de un proceso mecánico para permitir a los pintores examinar los efectos de luz y los espacios, así como la captura espontánea de escenas. Los fotógrafos compitieron para hacer sus imágenes más estéticas. Los pintores del movimiento impresionista, muy conscientes de la naturaleza transitoria de la realidad, vieron en la instantánea un reflejo de la temporalidad.

En la pintura de paisajes, los preimpresionistas como Courbet, Corot, Rousseau y Daubigny fueron influenciados por el enfoque instantáneo de la fotografía, la composición irregular, los efectos de luz filtrada sobre los árboles y los sujetos al aire libre:

En los paisajes urbanos, el interés impresionista por la reconstrucción de París bajo Haussmann después de la guerra franco-prusiana y la revuelta de la Comuna también se refleja en la fotografía contemporánea:

Los fotógrafos de retratos alentaron a pintores como Manet, Cézanne y Degas a pintar retratos a partir de fotografías de sus modelos, posiblemente para aliviar el aburrimiento de las largas sesiones.

Postimpresionismo 

El postimpresionismo fue un movimiento principalmente francés que se desarrolló entre 1886 y 1905. Fueron más allá del impresionismo. Los artistas continuaron eligiendo temas de la vida real y usando colores vivos, aunque tendieron a aplicar pintura más espesa y utilizaron colores poco naturales. También tendieron hacia contornos más abstractos y simbólicos mediante el uso de formas geométricas y formas distorsionadas.

Cézanne es considerado el padre del postimpresionismo y su objetivo era dar estructura a sus obras utilizando formas básicas y conservando los colores vivos del impresionismo.

En su serie de pinturas Mont Sainte-Victoire (1904-06):

el artista utiliza colores llamativos y pinceladas irregulares para crear profundidad y un paisaje enérgico. Sus experimentos con colores y formas inspiraron a otros artistas como Degas, Gauguin, Matisse y Picasso.

Van Gogh fue otro postimpresionista y su La noche estrellada (entre 1885 y 1890) es una visión personal que se apoya en una paleta saturada, una perspectiva inventiva y pinceladas fuertes: